策展人王焜生在面對第二屆「Voices」，依舊採取不設邊界的展示方式，作品間的綿延是一種訊息傳遞，但也可視為各自滋長，或也就是這種開放式的概念，更能考驗參展畫廊對選擇藝術家作品的高瞻性。

以穿透式木條來架構出多功能且可拆組的類展牆，應該可以視為本屆展場最大件的裝置，讓「Voices」與「Photo ONE ’25」能維繫頻率共振但又自有領域。主辦單位亞太連線藝術提出「Voices」，主要是翻越既定平面繪畫單一性，嘗試把視覺轉換成有體量，比科技性沉浸式表現更具視覺立體化。既然是希望能開創既定平面繪畫模式，那麼今年大阪的帝塚山畫廊帶來的鈴木淳夫「Carved Painting雕刻畫」，就應當最具範例。鈴木淳夫先將壓克力顏料層層上疊，再以刻刀挖出或圓或長條形狀，接著再將這些從平面畫作挖出的新元素轉換成另一形制，當你看新元素所完成的形制，絲毫想像不出那是來自於另一面的平面畫作！德國藝術家Christoph RUCKABERLE扁平與分解卡通人物的輪廓，透過對折所造成視覺延續，繪畫更像是活化的舞台。這兩件作品堪稱是最能驗證這個活動可望打破的展域疆界性代表。另外，最吸睛作品莫過於來自東京的畫廊NANZUKA所帶來田名網敬一動畫，70年代的創作，在當時科技化還沒有普及性摁用，以一格格繪製出嘲諷西方流行文化的氾濫，以純粹性動畫語法來做為訴求，今日再看昔日的社會性議題始終存在，藝術家心念的高瞻洞見，依舊充滿著濃郁的現世性。

由攝影藝術家沈昭良擔任統籌策劃的「Photo ONE ’25」，完全是所謂臺灣前所未有關於攝影藝術的高質量口碑品牌。藝術與產學高密度融結，32位來自不同文化地區的學者專家/策展人/資深攝影家，在「專家面對面」這個單元，進行334場與創作者一對一交流。「攝影集市集」再度聚集國際以出版攝影集為主的出版社，與及首度推出的「攝影博覽會」單元。沈昭良在「攝影博覽會」這環節著力甚深，細江英公、深瀨昌久、須田一致、森山大道、瀨戶正人、北島敬三，來自東京的冬青社則帶來尤金、曼雷作品。波蘭攝影家Piotr Zbierski的作品則是由首爾AN INC.帶來的。也趣藝廊展出沈昭良32年前攝影作品築地系列，這早已經是經典中經典作品，再度呈現依舊令人看得忘神。

嚴格來說，Photo ONE 今年的成功與耀眼，絕對是超越「Voices」

它的標的極端精準，沒有太多含糊的地方，沒有特別著意在商業機制，卻能夠把循環市場展售的行為逐一落實到活動的結構，知識商品在這個活動環節上，徹底讓人看到創作本質的純粹度與產業價值真實性，這樣的活動照理講理應當可以由公部門來接手，進而放大成為一個更大型攝影藝術祭，將攝影藝術基礎推動與創作的升級；再到如何扣接到市場運轉，那一項不能與現實藝術產業緊密結合呢？至於，「Voices」的問題，不是在於作品無疆界的問題，而必須回到參展畫廊得要更高瞻眼光看到提出的作品不只是移地展覽；而是作品與環境關係要產生新的價值改變。這好比物理變化與化學變化的差異，物理變化指的是沒有生成其他物質、化學變化則會生成其他物質變化。一件作品在白盒子空間是一個面向，一旦要面對敞闊環境空間，策展人固然能協調作品與作品間韻律曲折，可是，畫廊的責任相對更為重要與具關鍵性。這也是說；作品的本身固然還是那件作品，卻能夠在環境加持下；翻轉舊有制化的認知，長成一種嶄新的氣象，對藝術收藏來講，這是締造新的收藏價值。藝術產業在面對知識產品日趨多元解讀情態下，還是得多學習把心理視野打開，而不是便宜行事。這點，不知道畫廊懂或不懂？