【DANCING WITH ALL】旨在探討多重人文的可能性，涵蓋動物、植物以及生活周遭的物件。長谷川祐子解釋，將展覽如此定位，是因為早在語言發明之前，人們已經通過眼神交流、肢體接觸和無意義的聲音相互理解。簡而言之，就是透過彼此共舞實現植物、動物和人類毫無隔閡的合作和交流。

長谷川祐子進一步表示：「萬物開始起舞，開始移動，開始連接，開始改變。伸手與人共舞，是作為全球問題參與者採取行動的第一步。金澤是禪宗學者鈴木大拙（D. T. Suzuki）和西田幾多郎（Kitaro Nishida）的出生地，他們非常重視相互交流的互惠性，我們希望藉由美術館，與自然及無形生命進行交流，成為一個包容萬物、分享智慧與生命的平台，讓人們感知生活的美。」

能登大地震後的新風貌

金澤21世紀美術館以其通透的玻璃採光設計聞名，但地震造成部分結構受損。例如奈及利亞藝術家Otobong Nkanga展出的挑高展廳，其屋頂玻璃不久前才修繕完成。這個特別訂製高度的展間，呈現四幅描繪了大地與海洋相互交織景象的大型掛毯，從生態學的角度講述了大地與水的故事，提醒我們的生存離不開水。一件高達12公尺的作品如瀑布般流淌而下，位於最頂部的〈Unearthed – Twilight〉和中段的〈Unearthed – Midnight〉勾勒出五顏六色的魚類和貝類成群結隊，恣意徜徉於珊瑚礁之間，呈現深邃且原始的海洋色彩；而最底部的〈Unearthed – Abyss〉則講述海岸故事，展示人類製造的漁網和塑膠靜靜躺在海邊的畫面。另一件〈Unearthed – Sunlight〉由3幅掛毯組成，分別表現地球不同時區的風貌，在炙熱的一片橘色中，燒焦、破爛不堪的樹梢從黃土中探出頭來，暗喻著人類與海洋的關係。

Adrián Villar Rojas這位來自阿根廷的藝術家，巧妙的運用大型天花板設計，覆蓋了地震後所留下的痕跡。宏偉的天花板壁畫〈The Theater of Disappearance〉是Rojas和他的團隊按比例複製15世紀義大利著名畫家皮耶羅·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）的部分畫作。在這幅畫中，可以感受到對生命的希望，這股力量正是要傳遞給能登大地震後在困境中的居民們，也象徵著東西方文化交融，為已被移除的美術館屋頂玻璃，注入新生命。另一件〈The End of Imagination I〉則是項始於2021年Rojas家鄉羅薩里奧（Rosario）的雕塑計畫，他利用「時間引擎」（Time Engine）的概念，創造出穿越時空的虛擬雕塑，運用手工和機械智能，並結合金屬、混凝土、土壤、玻璃、樹脂、廢棄汽車零件、回收塑膠和其他工業廢棄物創造出巨型時間引擎，互相交織的異材質，宛若一個活生生的生物體，這個物件也虛擬數千年時間跨度內的各種環境和社會現象。

匯聚科學性與實驗精神

在【DANCING WITH ALL】中繚繞著一股新鮮實驗室的氣息，但展覽在提案階段中，並不順利，原因在於有些人認為出自科學家、植物學家…等之手的作品，稱不上是藝術品，但在長谷川祐子努力爭取下，才得以讓展覽以更加新鮮的方式展呈。

哥倫比亞藝術家María Fernanda Cardoso帶來極具震撼力的影音作品〈On the Origins of Art I-II〉。Cardoso與蜘蛛學家、昆蟲學家、顯微鏡學家和微距攝影師合作，花了三年時間拍攝了八種澳洲差不多只有米粒大小的「跳蛛」，影片呈現蜘蛛的求偶儀式，雄蛛必須運用視覺溝通、魅力和耐心，才能被雌蛛選中。除了視覺可見雄蛛的豔麗色彩外，影片更收錄了特殊雷射振儀記錄下來求偶過程中的敲擊聲，音效師Andrew Belletty放大這些聲音，並利用震動物件增加觸覺層次，觀者可以站在展場影像前方放置的橢圓平台上，一起感受這股熱情的舞動頻率。 Olafur Eliasson的作品〈Memories from the critical zone (Germany-Poland-Russia-China- Japan, no.11)〉是2020年在東京當代藝術館舉行的個展而創作12 件系列作品中的2件。它們的產生過程漫長又具科學性，這系列作品是在經由西伯利亞鐵路運往日本的途中，使用一種可紀錄火車運行及搖晃的裝置和特製木箱，產生了隨意、多樣化的線條紀錄。Olafur Eliasson稱這是「與大地合作完成的繪圖」，此系列作品批判崇尚效率的資本主義，也暗示人類需慢慢透過接觸大地起伏審視自我態度的重要性。

巨型透明溫室〈Talking God〉亦相當吸睛，成為許多觀眾打卡之地。該作品是一組空氣淨化裝置，由佛羅倫斯大學的衍生公司PNAT（Project Nature）以植物研究為基礎概念來設計，不僅致力改善都市環境中的生活方式，亦希望引發自然環境與人工環境之間的相互交流。

日本藝術家AKI INOMATA作品汲取源生態特徵，包括非人類生物和大自然，她曾以3D列印的手法，為寄居蟹打造避風港，亦曾有結合珍珠牡蠣的作品。本次〈How to Carve a Sculpture〉主角則是海狸，她發現經由海狸啃咬的木頭形狀非常美麗，如同藝術家Brancusi或Enku的雕塑，並能使藝術家反思自己身份和藝術性的概念。

Inomata亦想強調自然主體的形象，所以委託雕刻家雕刻出人體大小（比原作大三倍）的複製品，大小對比形成有趣的對照組。

擁抱原始

與自然共存，也是【DANCING WITH ALL】強調的核心，在科技高速發展的當下，人們更應該珍惜得天然資源。法國藝術家Eva Jospin的以紙板雕刻而成的巨型作品〈Forét Palatine〉、〈Forét Corinthienne〉融合了森林、洞穴甚至人工發展的建築元素，其作品神秘且具有故事性，並響應著紙張回歸森林的概念。

日本花藝師Kuniko Donen帶來〈Bamboo: Cube 1988 / 2024〉由大小不同竹子所捆成的立方體，是尾山神社（Oyama-jinja Shrine）台階上訂製的場景創作再現，觀眾似乎還能聞到竹子的香氣，也展現了大自然的簡潔與邏輯之美。

品牌YANTOR通過讓人們穿上他們的衣服，試圖為穿著者找到這股生活與布料之間的溝通。〈village traces〉計畫是由YANTOR和泰國北邊以植桑、養蠶和手工編織絲綢維生的部落Kim-Ma-Au-Suan Mon合作完成，為了此計畫YANTOR購買了村莊廢棄的的傳統服裝、舊衣服和布料，以及未經加工的絲綢，將它們重新組合、重新詮釋出服飾，上面充滿著因磨損而留下的髒污和刮傷痕跡，捕捉到非常貼近當地特有文化的服裝神韻，當布料逐漸融入空間，吸收到其傳統習慣跟文化，出現在生活的景象之中，也表述對時尚產業商業主義的批判。

此外，展覽還融入原始的藝術門類，例如北太平洋和非洲土著民族以及因紐特人的藝術，以及居住在亞馬遜的原住民藝術家，傳達人類與動物的關係、薩滿和舞蹈等主題，這些藝術以多種人性為基礎的宇宙觀，保留作品詩意性及純粹張力。

長谷川祐子的展覽告別曲

【DANCING WITH ALL】作為長谷川祐子館長任期內最後一檔大展，她與哲學家共同策展人Emanuele Coccia將展覽梳理得相當全面，藝術緯度更橫跨歐亞非三洲，可見長谷川祐子傾力注入的能量之多。她以「我是否有幸與你共舞一曲？」為展覽提出開放性的提問，賦予金澤21世紀美術館多層次和生命力。身為一位女性館長，一路走來的毅力和持續爆發力驚人，也一如她期許，美術館在這幾年中，藝術圈外的人產生更多共鳴與互動，與這座最漂亮的美術館共舞。

展覽持續至2025年3月16日，與此同時，金澤21世紀美術館收藏展第二章【都市漂流】也將展至2025年1月19日。