〈雲〉創於「甲骨文時期」（1954-1958 年）的高峰中段，顯現了根本性的風格變奏：文字符號逐漸幻化為無形，力拔山河的筆觸奮力掙脫字型字義的束縛，正如〈雲〉裡所見，一串串縱橫交錯、似字非字的抽象形體，它們騰躍空中、互相碰撞，它們時而結聚畫面、時而散落四周，體現出前所未見、如創造乾坤般的強大生命力，似乎亦預示著50年代末的「狂草時期」即將到臨。〈雲〉的畫面以深沉而強烈的艷紅與漆黑為主調，上方正懸掛著一個如太陽般的球體，四周的隱蔽光暈展現如日蝕一般的現象。而在大片漆黑之中，粗獷的紅色書法與精細的黑色符號互相交錯，隱然呼應著遠古文字的磅礡筆觸。整體畫面散發著一種令人不安的戲劇性氛圍，反映出趙無極此時洶湧的內心情緒。

〈雲〉一直由歐洲私人藏家珍藏，現重要藏家決定購藏時，更是由趙無極親身為其選作，可見藝術家對本作滿意程度極高，如今首現拍場，珍罕無比。現藏家多年來欣賞本作，有感畫中筆觸就如呼應著馬蒂斯筆下名作〈舞蹈〉中，粗獷而原始的強大節奏。

〈北京馬戲〉是常玉已知321幅油畫以外的最新發現，由現美國藏家於1976年購自著名的明尼亞波利斯畫廊洛克斯利·謝伊畫廊 （Locksley Shea Gallery）主理人的銷售會，並珍藏至今半世紀，現被重新發掘，對於推動常玉的藝術研究發揮巨大作用，尤其是常玉曾在美國短暫發展的一段歷史；由一件市場上從未曝光的油畫，帶出常玉在美國的發展版圖可能比現知的更廣泛，〈北京馬戲〉的來源可謂重要的歷史線索。洛克斯利·謝伊畫廊由Gordon Locksley及George Shea在其明尼阿波利斯的豪宅中設立，並在約1964年至1975間營運，由私人藝廊開始，逐步發展成為美國中西部重要的當代畫廊，以精彩狂野的開幕派對揚名，當地社交名流及當代藝術家如Christo、Andy Warhol、Donald Judd、Robert Rauschenberg等也曾出席，大幅促進當地對藝術收藏的熱情氣氛，畫廊的活躍程度直接與當時畫廊林立的藝術中心紐約媲美。

「馬」是常玉最愛的動物主題：據全集所記載，在已知的87幅以動物主題的油畫中，畫馬的作品則佔據大多數的35幅，最早一例在1926年初現畫中，一直延至5、60年代，馬的描繪不曾間斷，可見此題材貫穿常玉近四十年的創作生涯，其重要性無可匹敵。50年代爾後，常玉再以馬戲團爲題創作少數油畫，重點則放於馬兒本身與環境的營造，其中一例〈北京馬戲〉現藏於台北歷史博物館，另一例〈馬戲園〉則在新加坡私人收藏，本作是已知僅有三幅附有題字的北京馬戲主題作品之一，稀罕程度極高。

常玉在1948至1950年曾短暫旅居紐約，在此期間，抽象表現主義正在萌芽階段，他有可能受此迅速發展的浪潮啟發，特別在動物題材中配用大片抽象純粹的色調將背景往外延申，突顯主體的渺小與孤寂，配色上更讓人聯想到羅斯科筆下大尺幅而充滿冥思意蘊的作品，因其畫中與東方哲學中的「留白」意識有所呼應，常玉自然應用自如。常玉的馬渺小而寂寥，抒發了藝術家自身的孤苦感懷，風景背景中的廣袤大地僅用色塊表現，而本作中的深藍色，如幽美的夜空、如深邃的海洋，天地顛倒，更是將此沉寂飄零的氛圍推往高峰。構圖左右兩邊的白、深綠與桃紅，明確俐落地劃成「北京馬戲」的舞臺設計，不僅透現了西方幾何抽象的韻味，更成就了整體畫作的視覺平衡感，以對比強烈的冷暖、深淺的顏色，映襯著象徵純潔的白馬。

在經歷過近六十載創作生涯後，趙無極的藝術生涯在進入二十一世紀後達到了頂峰。趙無極在2002年榮獲法蘭西藝術院終身院士的頭銜，並在翌年於法國國立網球場現代美術館舉辦大型回顧展，藝術生涯可謂是已到登峰造極的境界，而在藝術創作上，更是再無任何局限與拘束。〈紅色大地 – 16.01.2005〉的畫面以鮮艷奪目的正紅色為主調，從左至右往上揚的深淺藍色線條相互交織，讓人聯想起藝術家1960年代的標誌性「狂草線條」，或是藝術家創作此畫時，對創作生涯的回顧。紅色對趙無極來說意義深刻，2003年，他為妻子弗朗索瓦創作〈向弗朗索瓦致敬〉時，便是用了此正紅色為主調，可見正紅色對藝術家而言象徵著愛與熱情。本作延用了此熱情絢麗的顏色，再加上如展翅騰飛般的構圖，無不展現出藝術家此時雀躍澎湃的心情。2008年，法國《VERNISSAGES》雜誌的創刊號為慶祝趙無極六十載的創作生涯，為其舉行專訪，雜誌的封面正是趙無極站在本作前的照片，可見他對本作的喜愛及滿意程度。

千禧年後，趙無極逐漸減少油畫創作，而2008年後更是再無繪畫油畫作品。〈紅色大地 – 16.01.2005〉尺幅長近兩米，據藝術家全集記載，趙無極2000年代創作的逾150件油畫作品中，尺幅超過190公分的單一畫布作品僅有33件，而其中以正紅色為色調的作品只有3件。如今，在完成二十載後，本作首次登上拍場，實屬難能可貴。

繼1990年代的〈面具〉作品獲得國際讚譽後，曾梵志於2000年代初開始創作新的抽象風景系列（亂筆山水），該系列逐漸發展成為他最具標誌性的表達方式之一。作於2010年，〈無題 10-3-20〉是亂筆山水的典例， 其宏偉的尺幅標誌着曾氏描繪該系列已步入爐火純青的階段。藝術家反覆在未曾乾透的顏料上揮灑增層，讓作品遊走於具象與抽象之間。 曾梵志曾就其亂筆山水作如此評價：「這些不是真正的景觀，而是關於一種妙悟的體驗……妙悟是一種顯現、揭示，但這一揭示並不是簡單地將世界本身彰顯出來，而是一種創造，所帶來的是一個新穎的世界。每當感到這個新穎的世界似曾相識，既熟悉又陌生，它就潛藏在自己生命的深層……妙悟是一趟無止盡的探求之旅。」

喬治·莫蘭迪的作品總能帶領觀者進入一個寂靜無聲、時間彷彿靜止的世界，而〈靜物〉，則是他精湛靜物畫技藝的絕佳典範。莫蘭迪的作品以用簡單的結構與單色調築造完美平衡的構圖而著稱，由本作便可見一斑。靜物是西方藝術中傳統的創作主題，而此主題亦貫穿了莫蘭迪的創作生涯，他致力於統一空間、光線、色彩和形式。他最大的成就，在於將這傳統主題與抽像美學完美結合。透過專注於此唯一的題材，他得以將這些繪畫理念臻於至臻至純。而本作中的杯罐，亦因這些理念的詮釋，以恆久不變的形式貫穿了歷史。

保羅·塞尚的〈岩石〉創作於1867年至1870年間，描繪了高聳的岩石與青蔥的植被相呼應，形成了一幅充滿張力的風景。這是塞尚的故鄉，普羅旺斯地區艾克斯郊外的景色。塞尚經常回到艾克斯，從周圍的鄉村山林汲取靈感。嶙峋的山坡和幽靜的森林為他提供了理想的戶外寫生題材，他更是在1866年寫信給法國小說家埃米爾·左拉時，極力稱讚戶外繪畫的絕妙魅力。藝術家對此景尤為鐘情，更曾繪畫了一幅構圖相同的水彩紙本習作，現為法蘭克福施泰特爾博物館藏。〈岩石〉是塞尚罕有早期風景畫中極為重要的代表作，曾展出於2017年馬汀尼，皮耶·吉雅納達基金會的藝術家個展【Paul Cézanne: le chant de la terre】，及2020年巴黎，瑪摩丹美術館的【Cezanne et les Maîtres, rêve d’Italie】展覽。

塞尚完成繪畫〈岩石〉時，已三次被專門展覽學院派藝術作品的巴黎沙龍拒之門外；而隨後，塞尚與愛德華·馬奈和卡米耶·畢沙羅等同儕一同參加了【落選沙龍展】，成為了對二十世紀繪畫造成深遠影響的藝術家中一員。這幅作品光影對比鮮明而深邃，令人聯想到古斯塔夫·庫爾貝以及巴比松畫派畫家，如卡米耶·柯羅和泰奧多爾·盧梭的風景畫。然而，塞尚大膽的筆觸和豐富的顏料質感，展現了他力求創造一種全新繪畫語言的決心。這種語言貫穿了他的整個藝術生涯，並最終深刻影響了二十世紀繪畫的發展方向。

亨利·馬蒂斯的〈黑衣少女〉出自其尼斯時期（1917-1932）的創作，該時期畫作以構圖和諧和色彩鮮明的室內觀貌烘托畫中人物著稱，而本作則為一經典範例。〈黑衣少女〉創作於1919年，對馬蒂斯的職業生涯而言至關重要。馬蒂斯早於1917年起，幾乎在地中海沿岸的尼斯度過每年冬天。1918年12月回到尼斯後，他在地中海飯店租了一間房，並近乎與世隔絕，潛心探索人物與空間的和諧體現，綜稱「新綜合」創作。正是在1919年1月，馬蒂斯邂逅了他的尼斯繆斯；〈黑衣少女〉中描繪的19歲女子安托瓦內特·阿爾努（Antoinette Arnoud）。阿爾努是經由尼斯當地一所藝術學校的校長—保羅·奧德拉—所推薦的模特兒人選，自此，阿爾努成為馬蒂斯最為鍾愛的模特兒之一，身影貫穿藝術家該高強度創作時段的作品，在藝術家的創作風格轉捩點中扮演一關鍵角色。

畫中的阿爾努身穿的黑色連衣裙，乃1910年代的時尚流行模板，馬蒂斯1908年的名作〈紅色的和諧（紅色房間）〉（現藏於聖彼得堡埃爾米塔日博物館），以及1918年的畫作〈藍色帽子的瑪格麗特〉（現藏於紐約大都會博物館）等，均呈現了身穿黑裙子的女子。而〈黑衣女子〉的畫中環境，則是馬蒂斯在尼斯常住的旅館典型樣貌。馬蒂斯在憶述這棟復古洛可可裝潢建築時，予以「虛假、荒誕、美妙！」的親切形容。畫中粉嫩的瓷磚地板反覆出現在馬蒂斯的尼斯室內畫作中，芝加哥藝術博物館館藏的〈尼斯的室內〉則為一例，畫中女子也同為阿爾努。陽台和窗戶是馬蒂斯尤為喜歡的主題之一，它是將室內外空間和日光連接起來的媒介，而〈黑衣女子〉左方的嫣紅窗簾也暗示了畫中的光源。畫作的俯視構圖也常見於馬蒂斯的坐像，這不但有助觀者集中在畫中人身上，同時更凸顯模特兒朝上凝視觀者那驚鴻一瞥的目光。

草間彌生的南瓜是家喻戶曉的當代藝術形象之一，它是草間創作世界的核心，不少精美的南瓜雕塑已獲全球各地的私人和重要藝術機構收藏，例如華盛頓特區赫希洪博物館及雕塑園和日本福岡市美術館。是次上拍的〈南瓜〉（2015年作）外觀飽滿豐腴，展現充盈活力，不但採用了草間極具標誌性的黃黑配色，更是全球拍場迄今上呈第三大強化玻璃纖維塑料南瓜雕塑。

同場輝映是草間繪於1998年的〈捲蒂南瓜〉畫布作品。1998年至1999年可謂草間的兩年展覽高峰，46場展覽中有一半是個展，當中包括不少大型博物館回顧展，1998年開幕的【永恆的愛：草間彌生，1958-1968年】則為一例。該展覽從洛杉磯郡立藝術館（LACMA）巡展至紐約現代藝術博物館（MoMA），明尼阿波利斯沃克藝術中心（The Walker Art Center, Minneapoli） ，並以東京都現代美術館為終站。此巡迴展是繼孟璐為藝術家在紐約國際當代藝術中心（Center for International Contemporart Arts, New York）舉辦【草間：回顧展】宣告華麗回歸後，草間職業生涯國際享譽更上一層樓的一個重要契機。

王俊傑〈無題〉首登拍場，出自他短促的藝術生涯中最後一年，也是其創作的高峰期。畫面展現了王俊傑極富代表性的高飽和色彩，獨特的視角於具有裝飾性的筆觸讓人不禁聯想到現代派大師梵谷與馬蒂斯的風格。王俊傑的作品在市場上並不多見，此件作品估價極具吸引力，尺幅適中，為藏家提供了今年首次收藏其標誌性作品的機會。

赫爾南·巴斯2012年作的〈難題〉首登拍場，呈現了在霧氣繚繞的靜謐森林裡獨自流連的年輕男子，是藝術家反覆描繪的標誌性題材。人類在茂密豐碩的大自然中顯得孤寂與渺小，是浪漫主義風格作品的一大特徵，讓觀者不禁聯想起德國浪漫主義畫家卡斯帕·大衛·弗里德里希的鉅作〈霧海上的旅人〉。巴斯在2021年上海余德耀美術館舉辦的個展以及首爾Space K展覽盛況空前，迴響極佳，讓他進一步躍升亞洲收藏熱話，也獲多個國際重要館藏購納作品，當中包括洛杉磯當代藝術博物館、波士頓美術博物館、紐約現代藝術博物館等。

露西·布爾生於1990年，她的市場於近年迅速崛起，成為這一代最引人注目的抽象畫家之一。「我總是在製造混亂，然後我必須一步步的回到原點，」布爾這樣描述她的創作過程——她不用傳統的畫筆，而是通過點塗、刺、扭動和刮擦顏料表面，不斷添加和去除顏料層，直到畫面蛻變成炫彩耀目的想象世界。像本作這樣超過兩米的作品在拍賣上只有6件，除藝術家最高紀錄（約為本作尺寸的兩倍）外，其餘五件作品佔據了露西·布爾拍賣紀錄的第二至第六位，每件均以遠高於一百萬美金的價格成交。

首登拍場的〈藝術鷄5號〉是段建宇2003年的創作，來自她二千年代早期最重要的創作系列︰〈藝術雞〉。雞有時是對藝術本身開的玩笑、自嘲或觀察，有時是暗喻了城市與郷村的衝突。藝術家貫徹了取材自鄉村的美學，結合她筆下帶著俗氣的民族美學造型，造就了她有別於70年代生藝術家同儕的獨特藝術語彙。〈藝術鷄5號〉把烤雞與活雞形象置於馬奈的名作〈草地上的午餐〉中，禽鳥的軀體與女性裸體及衣冠楚楚的紳士形象互相呼應，滑稽荒誕的氛圍，迫使觀者對畫作原本直面的挪用及傳遞的訊息提出質疑與反思。創作〈藝術鷄5號〉同年，藝術家受邀參加威尼斯雙年展，展出99隻原大的雞模型裝置〈藝術鷄〉，該作品現存40隻，並獲香港M+博物館收藏。

范揚宗的〈泳池系列— 公共泳池〉源自其備受追捧、於2013年發表的〈泳池〉系列。該系列以不同視覺觀點切入泳池空間，並在人物佈局中觀察泳客之間的微妙互動。系列作品時而聚焦泳者泳鏡，以鏡片反射周遭景觀，時而把畫面切換成「全景式」構圖，將人物比例極小化，形成透過顯微鏡俯瞰觀察的獨特視角。喜愛游泳的范揚宗直言，〈泳池〉系列的題材受大衛．霍克尼同樣題材的作品啟發。然而，有別於大師對加州享樂主義以及水流動態的二維捕捉，范揚宗更熱衷於在泳池這個私密與公共界限模糊的空間探索當代人際關係。水上活動的繪畫題材興起早於19及20世紀的歐洲萌芽，當時開始出現公共戲水與泳浴場所，迅速成為休閒的流行之選，吸引一眾藝術家著手挑戰深究的熱門題材，當中包括保羅·塞尚、皮耶·雷諾、喬治·秀拉及亨利·馬蒂斯等。

梅忠恕出生於越南的上流社會，他在1925年入讀河內新成立的中南半島美術學院，與黎譜一同成為了該校的第一屆學生。 他在1930年畢業，旋即在順化取得了教職，在該處任教共七年；〈順化少女〉創作於1937年，正值他擔任教職的最後一年。同年七月，他前往巴黎參加國際藝術博覽會，隨後決定留在法國發展他的藝術事業。梅忠恕在法國生活了四十逾年，而他事業生涯大部份時期均專注創作絹本作品，因此，創作於他旅居法國前的油畫作品十分珍罕，至今拍場上只出現過少於十幅。

〈順化少女〉描繪了一位秀麗女子，身著白色奧黛，頭戴傳統斗笠，站立在河邊。她的手輕輕搭在斗笠上，稍稍遮住她的臉，增添了一絲神秘感。雖然我們並不知道這位女子的真實身份，但毋庸置疑的是，她是梅忠恕在順化期間最喜歡的模特兒；她曾出現在藝術家此時期的許多素描和油畫中。在她身後，是平靜的河岸與一艘停泊在碼頭的小船，充實地描繪了安逸的順化日常生活景色。在創作本作時，梅忠恕尚未知道自己將在長時間內不會回到祖國，因而本作中，靜逸美好的越南順化景色成了他對越南真實景色的最後描繪。

同場拍賣另一梅忠恕的作品〈小溪，沐浴〉則是藝術家高超絹本技藝的典範之一。本作創作於1978年末，是梅忠恕在1980年去世前創作的最後幾幅重要作品之一。畫中，他用沉穩細膩的筆觸，描繪了藝術家生涯中最為標誌性的主題：理想化越南中的日常生活。而本作溪畔沐浴女子的主題亦暗示著他從14至17世紀歐洲藝術家（如拉斐爾和波提切利）筆下的希臘神話場景中汲取的靈感。梅忠恕的作品多以單人或雙人構圖為主，而〈小溪，沐浴〉則描繪了十四個人物，是他最複雜的群像作品之一。畫中的女性以和諧地共存，她們透過肢體或眼神交流彼此相連，營造出親密的氛圍。

1937年，出生越南的黎譜在巴黎國際藝術博覽會展覽後，選擇定居於巴黎繼續發展藝術事業。〈三位浴者〉創作於約1938年，正值此巔峰時期。本作描繪了三位女子在河邊梳洗的安逸日常景色，是越南藝術中常見的重要主題；而越南的日常景色更是貫穿了黎譜的創作生涯，是他對祖國的緬懷及懷念。黎譜以精湛的畫技，透過巧妙的構圖以及對女性身體自然曲線的描繪，展現了女性的優雅和精緻。黎譜將稀釋的水墨和水粉層疊於絹本上，從而體現出光線與柔和的平衡；藝術家更是巧妙地用朦朧過渡技巧和色調的漸變，使畫面顯得細膩柔和。黎譜在1960年代與芬德利畫廊（Wally Findlay Galleries）合作後，將創作中心轉至油畫創作，因此黎譜的絹本作品在藏家中備受追捧，在拍場上亦難得一見。